David Hockney
Por John Brian Cubaque*
Artista integral y experimental
David Hockney (Bradford 1937- Londres, 2026) fue uno de los más ilustres y representativos artistas del arte moderno y del movimiento Pop en particular. En su extensa trayectoria, transitó por casi todas las técnicas conocidas tanto pictóricas (oleo, acrílico, acuarela, grabado, dibujo, collage) como de imagen tecnológica (fotografía, video, instalaciones, fotocopias, fax, computador, IPad). En este último ítem fue un pionero, siendo el primer artista reconocido en realizar arte digital. Adicionalmente, realizó escenografías para grandes obras de teatro y ópera.
Como cualquier joven, se destacó por su libertad creativa, experimentación constante y en ese mismo sentido, su desdén hacia lo establecido, hasta el final de su vida.
Fue un pintor prolífico que estuvo activo hasta el 11 junio de 2026, cuando su corazón no le pudo seguir el ritmo. Hasta ese instante, estuvo mostrando su poderosa energía vital, su trabajo constante, pertinaz, con el que, aún a sus 88 años, seguía #rompiendoestereotiposdedad. De hecho, la mayor cantidad de sus exposiciones las realizó después de los 50 años. Sólo entre 2019 y 2026 (82 a 88 años) tuvo más de 12 exposiciones entre retrospectivas y obra nueva, en galerías y museos de todo el mundo, ¡casi 2 por año!, tal era su capacidad creativa e innovadora. Fue un notable ejemplo de #envejecimientoactivo y con propósito, y un digno representante de los #nuevosviejos y de esa #nuevalongevidad saludable y en actividad, ejemplo que todos deberíamos intentar.
Primeras exposiciones y tendencia pictórica
En sus inicios, el joven Hockney participó en siete exposiciones colectivas, entre ellas Young Contemporaries, celebrada en las Galerías RBA de Londres (1960, 1961), que marcó el inicio del arte pop británico. Su obra tuvo como referentes iniciales a Dubuffet y Picasso. Comenzó a despuntar y ser reconocido desde su primera exposición individual, «Pictures with People In», en la galería Kasmin de Londres (1963). Ese mismo año viajó a Nueva York, donde conoció a Andy Warhol y Dennis Hopper, y al año siguiente, se estableció en Los Ángeles, donde comenzó a utilizar la pintura acrílica, creando paisajes estilizados y sus primeras pinturas de piscinas y bañistas, tema recurrente, que se convertiría en parte esencial de su obra.
Hizo tránsito artístico por el abstraccionismo, el expresionismo, el cubismo e incluso integró puntillismo en muchas de sus obras; no obstante, su estilo siempre estuvo marcado por el Pop Art, con colores planos, fuertes y brillantes y temáticas sencillas, sin rasgos políticos.
Durante las dos décadas siguientes (1970-90), la experimentación de Hockney lo llevó a realizar investigaciones cubistas que comprendían gigantescos collages fotográficos compuestos con imágenes secuenciales, algunas realizadas con Polaroid, dando sensación de movimiento, que culminaron en más de 350 obras y una exposición en el Centro Georges Pompidou de París en 1982.
Sus primeros grabados fueron ilustraciones sobre cuentos de los hermanos Grimm: Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm, que fueron exhibidos e itinerados durante más de 17 años por todo el Reino Unido (1993-2010).
Paisaje, retratos y autorretratos
En 2004, con 67 años, comenzó a pintar acuarelas de paisajes y de la vida cotidiana de su natal East Yorkshire. Continuó celebrando este paisaje a través de dibujos al aire libre con carboncillo, dibujos en iPad, vídeo y pinturas de gran formato sobre múltiples lienzos.
A menudo, se incluía dentro de sus obras, como algunos de sus colegas, (entre ellos Velásquez y Botero), y realizó muchos autorretratos a través de su larga vida, mostrando el paso del tiempo, algo similar a lo hecho por Rembrandt. Consideraba que el artista podía ser parte de su misma obra, como cualquier otro tema y no necesariamente como acto de egolatría. Convirtió su propia imagen —caracterizada por sus gafas redondas y su vestimenta colorida— en una extensión de su arte. También hizo retratos para muchos de sus amigos y colegas, generalmente en parejas, así como de algunos de sus colaboradores. Nunca hizo retratos por encargo.
En 2013, regresó a Los Ángeles tras una tragedia personal (la muerte accidental en su estudio, de uno de sus asistentes, luego de una fiesta), suceso que lo entristeció tanto, que pensó en dejar la pintura. Sin embargo, lo superó y fue el detonante que desencadenó el inicio de la serie de «81 retratos y 1 bodegón», serie en la que cambió su estilo, utilizando un fondo neutro para realzar los rasgos, vestuario y expresión de sus modelos. “Yo no pinto famosos; la fotografía sí. Mis famosos son mis amigos”, dijo Hockney, quien a la vez sostenía que «es mucho más fácil pintar la esencia de alguien que conoces.»
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La Vanguardia
Hockney fue uno de los primeros artistas ingleses abiertamente homosexuales, algo que la sociedad británica del momento no toleraba, y por eso decidió trasladarse a otra más desinhibida que la inglesa, encontrándola en California, donde pudo vivir con más apertura y liberalidad, y conociendo a muchas de las personalidades del momento entre ellas a Billy Wilder y Cartier-Bresson. Una característica personal poco conocida, era que Hockney nació con sinestesia1, por lo que aseguraba ver colores en respuesta a estímulos musicales. Esa condición, con seguridad, influyó en su colorida pintura. También era un fumador empedernido
El artista británico tuvo más de 400 exposiciones individuales en todo el mundo, incluyendo varias retrospectivas. Una importante fue la realizada en 2017 en la Tate Modern de Londres y replicada, posteriormente, en el Pompidou de Paris y en el MET de Nueva York. Sin embargo, en 2025, la Fundación Louis Vuitton de París presentó David Hockney 25, una completa y monumental retrospectiva que reunió cerca de 400 de sus obras desde 1955 hasta 2025. Muchas de sus obras hacen parte de las más importantes colecciones de museos y galerías del mundo.
Montajes monumentales y nuevas tecnologías
Hockney se caracterizó por tener obras de tamaños y formas diversas, así como de gran formato, una de las cuales es el llamado Árboles grandes cerca de Warter o/ Pintura sobre el motivo para la nueva era postfotográfica de 2007 (para celebrar sus 70 años), óleo sobre ¡50 lienzos de 91 x 122 cm cada uno!, (457,2 x 1219,2 cm.). Hockney combinó allí, el trabajo tradicional al aire libre (en plein air) con la asistencia de tecnología digital (IPad) y tardó apenas unas seis semanas en completarlo.
Este fue el precedente de la gran exposición David Hockney: A Bigger Picture (2012), pinturas de gran formato sobre múltiples lienzos, organizada por la Royal Academy de Londres, y que estuvo en el Museo Guggenheim Bilbao, España, y el Museo Ludwig de Colonia, Alemania. La exhibición abarca un período de 50 años para demostrar la larga exploración y fascinación de Hockney con la representación del paisaje en una escala gigante, apoyado en imágenes creadas en IPad.
Su última exposición en la Galería Serpentine de Londres, abierta dos meses antes de su deceso, fue el preludio de lo que él deseaba: morir trabajando, así lo expresaba en el video promocional: «Sigo pintando a mis 88 años y no pararé hasta el día que me caiga rendido»
La muestra, titulada “David Hockney: Un año en Normandía y algunas otras reflexiones sobre la pintura” (y también “Mirar con ambos ojos”, así nombrada por el propio artista, por la atención que exige ver el detalle de sus cuadros – Ver video abajo) y recoge gran parte de la obra realizada durante su estadía en Normandía (Francia) donde vivó entre el 2019 y el 2021, durante la pandemia, así como obras recientes. (La exposición original la realizó en el Musée de l’Orangerie de París en 2022, sitio en el cual está exhibida la también monumental obra de Claude Monet, Los Nenúfares). En ella fueron colgados los cuadros que se convertirían en póstumos, pues esta exposición fue abierta en abril de 2026 y Hockney alcanzó a inaugurarla; sin embargo, falleció el 11 de junio, un mes antes de cumplir 89 años, el 9 de julio y dos meses antes de desmontarla, en agosto de 2026.
La estrella de la exhibición fue la obra “Un año en Normandía”, una imagen continua, de un tamaño descomunal: ¡90 metros! impresa en inyección de tinta (Inkjet) que muestra el paso de las estaciones durante su estadía en Normandía, motivo pandemia. Esta obra fue realizada originalmente en un IPad y pintada con los dedos, mostrando que la tecnología no fue nunca ajena a su obra y que siempre estuvo en sus procesos creativos, rompiendo con un tabú del medio artístico acerca del escaso valor pictórico de la pintura digital.
“Los artistas pensaban que la proyección óptica de la naturaleza era la verosimilitud, que era lo que buscaban, pero en el siglo XXI, sé que eso no es verosimilitud. Una vez que sabes eso, cuando sales a pintar, tienes algo más que hacer. No creo que el mundo se parezca a las fotografías. Creo que es mucho más glorioso que eso.”
David hockney
La tecnología y el arte
En el documental de 2001 de la BBC: David Hockney: El conocimiento secreto, también publicado como libro, el artista propone la tesis que desde los flamencos iniciales como Jan van Eyck, a los grandes maestros como Vermeer, Ingres, o Caravaggio ya se utilizaban ayudas ópticas —como la cámara oscura, la cámara lúcida y espejos curvos— que les permitía crear personajes más realistas.2 Esto desde el siglo XV, mucho antes de la invención de la fotografía. No se trataba de una acusación de «trampa», sino de una exploración de cómo la tecnología siempre ha estado entrelazada con la mano del artista. En ese mismo sentido, Hockney, en su propia obra utiliza la tecnología no como proyección e interpretación sino como herramienta de creación.
Fue pionero de la modernidad artística digital a través de un iPad. Su perfecta integración de la tecnología en el arte redefine el proceso creativo, lo que le permite reinventar su obra. El viaje de Hockney desde los experimentos de fotocopias hasta las obras digitales subraya una constante búsqueda de la innovación. Recordemos que su última gran obra fue realizada completamente en un IPad.
Éstos son algunos artistas e ilustradores contemporáneos reconocidos, que siguieron los pasos de Hockney, usando el IPad como herramienta de dibujo y pintura:
Kyle Lambert (Star Trek, Stranger Things); Mike Henry (Videojuegos); Jorge Colombo (Ilustraciones y portadas para The Newyorker); Eric Merced (comics Marvel); Stefan de Groot (ilustración de libros infantiles); Jaime Sanjuan (Oleos digitales); Sam Gilbey (arte digital: Cine, juegos, Tortugas ninja, ilustración digital); Robert Generette III (NBA, Ilustración deportiva, acción).
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*John Brian Cubaque (1954) es Director de quintopiso.net. Ex periodista gráfico de la revista Semana y de la Agencia Nacional de noticias CIEP. Diseñador gráfico especializado en diseño editorial y docente universitario.
- La sinestesia es una variación no patológica de la percepción donde un estímulo sensorial o cognitivo activa de forma automática e involuntaria otra vía sensorial distinta. No es una enfermedad, es una condición real y constante en quienes la experimentan, y sus asociaciones son únicas para cada individuo. Fuente: Clínica Universidad de Navarra.
Ejemplos: Ver un color al escuchar una nota musical (cromestesia); asociar un sabor específico a una palabra; o percibir un color al ver ciertos números o letras. - Hockney argumenta en el video y el libro, que alrededor de 1420-1430 se produjo un cambio repentino y radical hacia el hiperrealismo, el detalle lumínico y la precisión espacial en el norte de Europa (Flandes), lo cual es difícil de explicar solo con la habilidad manual a mano alzada. Según el artista, no se trataba de proyectar toda la escena y calcar mecánicamente de principio a fin, sino de usar espejos cóncavos o lentes simples para proyectar fragmentos u objetos con precisión de enfoque, color y proporción. Este «conocimiento secreto» habría sido celosamente guardado como un secreto profesional y gremial de los talleres pictóricos, transmitiéndose y evolucionando durante siglos antes de la invención oficial de la fotografía.
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